La poeta y cineasta iraní Forugh Farrojzad fue una gura muy controvertida en su época. Encarnó el espíritu de rebelión contra una sociedad, la iraní, que detrás de una aparente occidentalización seguía profundamente ligada a los dictámenes religiosos y morales de una rígida cultura patriarcal. Cinco décadas después de su trágica muerte a la edad de 32 años sigue siendo la voz más importante y revolucionaria de la literatura persa. Su obra es el testimonio de una mujer apasionada que vive en un país lleno de contradicciones, el Irán de los años 50 y 60 con el sah y la dolce vita persa, muy distinto a la teocracia que se instauraría después de la revolución islámica de 1979.
Sus versos anuncian el nacimiento de una nueva mujer sin tapujos que se enfrenta a los crueles juicios morales y religiosos de la sociedad en la que vive. Tanto en su escritura como en su vida privada, desaó los estereotipos femeninos y conmocionó a la entera sociedad iraní. Su talento es inconfundible: ferozmente honesta, perspicaz y maravillosamente lírica, su trabajo se ha ganado un lugar de honor en la milenaria tradición de los ilustres poetas iraníes.
Forugh Farrojzad nace en Teherán en 1935 en el seno de una familia burguesa. Con dieciséis años se casa con su primo en contra de la voluntad de sus padres, y un año más tarde da a luz a su único hijo, Kamyar. Dos años después, en 1954, la pareja se divorcia y ella nunca más pudo volver a ver a su hijo. Su padre militar la repudia y le impide volver a la casa familiar. Aunque ya componía poemas en sus años estudiantiles, es después de esa compleja travesía personal cuando irrumpe en la escena literaria. En 1955 publica su primera antología, titulada Cautiva. Sus rebeldes poemas fueron duramente criticados por el mundo académico y fue acusada de corromper a la sociedad. Desde este momento el acoso de la crítica y de la prensa ya nunca cesaría. A este primer poemario seguirían El muro (1956), Rebelión (1958) y Otro nacimiento (1964), considerado un hito de la poesía persa contemporánea y donde Farrojzad reeja su emancipación y liberación de la tradición, tanto en el plano formal como en el personal. En 1974, después de su muerte, se publica su quinta y última colección de poemas, Tengamos fe en el comienzo de la estación del frío. Muere el 13 de febrero de 1967 en un accidente de coche en extrañas circunstancias. Está enterrada en el cementerio Zahiroddoleh, a los pies de los nevados montes Elburz en el norte de Teherán.

En ningún otro lugar de Venecia existen espacios tan amplios como en la Giudecca. La isla vista desde el Sur revela a los curiosos rebosantes zonas de verde. Hay un jardín en particular que llama la atención por la intensa vegetación salvaje que parece haber tomado la delantera sobre verjas, tejados y pérgolas: es el jardín que todos conocen por el nombre de su creador: Eden. Publicado por primera vez en 1903 en el Country Life, Un jardín en Venecia es el relato de la creación de un jardín desde la adquisición de la propiedad hasta la realización del arduo proyecto que Eden llevó a cabo con una flema típicamente inglesa y una tenacidad que hizo de su jardín el más grande de Venecia. Su obra botánica suscitó el interés de Proust, Cocteau, Thomas Hardy y Henry James que probablemente se inspiró en él para escribir Los papeles de Aspern.
De Frederic Eden (1828-1916) hay pocas noticias biográficas. Aristócrata, marido de Caroline Jekyll, hermana mayor de la conocida escritora y creadora de jardines Gertrude, se instaló en Venecia buscando un clima mejor y compró la propiedad a principios de los años ochenta del siglo xix.

Nejishiki se publico? por primera vez en un nu?mero monogra? co de la revista GARO de junio de 1968 dedicado a Yoshiharu Tsuge. Una de las novedades formales, al margen de su tema?tica oni?rica y surrealista, fue la inclusio?n del color en un contexto donde todas las obras se publicaban en blanco y negro. El autor a rmo? que Nejishiki era un ejercicio puramente arti?stico, alejado del concepto tradicional del manga. No obstante, ma?s tarde se desdijo a si? mismo al asegurar que solo habi?a plasmado sobre el papel un suen?o que tuvo una tarde de verano tumbado sobre el tejado de una caseta donde se vendi?a ramen. La razo?n de plasmar su suen?o sobre el papel fue bastante prosaica: se acercaba la fecha comprometida para entregar una historia y no teni?a nada preparado. A falta de otra cosa, decidio?, por tanto, enviar Nejishiki, que se convirtio? de inmediato en una obra de culto. A pesar del mani esto desintere?s del autor por el mundo de los suen?os, Tsuge abrio? un camino que otros transitari?an despue?s. El autor siempre insistio? en que escribio? Nejishiki sin un propo?sito special, si bien las historias que componen este volumen constituyen un antes y un despue?s en la historia del manga. EL AUTOR Yoshiharu Tsuge nacio? en 1937 en Tokio. Personaje misterioso y escurridizo, es el arti? ce de una de las obras ma?s singulares e innovadoras dentro de la industria del manga. Sus publicaciones podri?an enmarcarse dentro de tres bloques distintos: viajes, suen?os y literatura del yo. Todas sus historias son crudas y esta?n salpicadas de tintes oni?ricos y surrealistas. En 1987 publica Despedida, su u?ltima obra. No volvio? a dibujar, decidio? quedarse al margen de la sociedad o, ma?s bien, eligio? hacerlo de una vez por todas. Emprendio? varios negocios fallidos (vender ca?maras, por ejemplo), pero el aburrimiento siempre termino? por vencerle. Si dejo? de dibujar no fue por una razo?n concreta, simplemente dejo? de hacerlo. Gallo Nero ha publicado del mismo autor: El hombre sin talento (2015) y La mujer de al lado (2017)

Cuando la novelista taiwanesa Qiu Miaojin se suicidó en 1995, a la edad de veintiséis años, dejó una obra inédita, su obra maestra, Cartas póstumas desde Montmartre. A través de una serie de cartas escritas por una narradora anónima, la obra cuenta la historia de una relación apasionada entre dos mujeres jóvenes: su despertar sexual, su ruptura gradual y las secuelas devastadoras de su amor roto. Las cartas, que, nos dice Qiu, se pueden leer en cualquier orden, tienen como escenario París, Taipéi y Tokio, y muestran ideas desgarradoras sobre lo que significa vivir entre culturas, idiomas y géneros. Qiu nos hace partícipes de su vida como estudiante en París, de su pasión por el cine y en especial por las películas de Theo Angelopoulos, y de su admiración por las obras de Kobe Abe y Osamu Dazai. También analiza su identidad sexual, sus pensamientos de suicidio y, sobre todo, sus deseos.
Poderosamente cruda y trascendente como Confesiones de una máscara de Mishima o Las penas del joven Werther de Goethe, Cartas póstumas desde Montmartre consagró a su autora como una de las mejores escritoras modernistas y experimentales en lengua china de su generación.
Su obra se ha convertido en un clásico de culto, particularmente en la comunidad LGTB taiwanesa, donde su vida y su trabajo siguen ejerciendo mucha influencia en las nuevas generaciones.

• Traducción de David Paradela López.

Entre junio y agosto de 1959, montado en un Fiat 1100, Pasolini recorre «la larga carretera de arena» de Ventimiglia hasta Palmi y de allí, «presa de una especie de obsesión deliciosa», llega hasta el municipio más al sur de Sicilia para luego volver a remontar la costa oriental y llegar a Trieste. En La Spezia, desde donde sale hacia San Terenzo y Lerici, siente que está a punto de empezar uno de los domingos más bonitos de su vida. En Livorno no dejaría nunca «el enorme litoral lleno de jóvenes y marineros libres y felices». Y, finalmente, en el Circeo: «el corazón me late de felicidad, de impaciencia y de orgasmo. Solo con mi 1100 y todo el Sur delante de mí. Comienza la aventura». Es la revista Successo la que encarga a Pasolini este reportaje que finalmente saldrá en tres partes entre julio y septiembre. En su viaje, el poeta encontrará amigos, intelectuales y personajes conocidos, se entusiasma con la gente simple de los pueblos más remotos (en Portopalo «la gente está como loca y es la mejor de Italia, raza purísima, elegante, fuerte y dulce»). Con su entusiasmo por el descubrimiento, con su mirada emocionada y aguda de futuro director toma nota de imágenes e impresiones tan potentes que nos devuelven un cuadro de la Italia de entonces, una Italia donde la explosión económica todavía no prevalece sobre la felicidad y el sueño pasoliniano de inocencia.

«La atmósfera oscura de estas historias refleja bien mis sentimientos de entonces.»
La presente antología recoge nueve historias escritas entre 1972 y 1973 y seleccionadas por el mismo Tatsumi, maestro y fundador del gekiga. El mangaka que contó su vida en el premiado manga Una vida errante disecciona aquí el milagro económico japonés para desvelar las tensiones, los deseos y las angustias de millones de jóvenes que acudieron en masa a las ciudades y vieron sus sueños frustrados. En sus historias, Tatsumi pone en escena la banalidad de la vida moderna y sondea las profundidades de la juventud perdida de los años setenta. Los pescadores de medianoche deambulan por clubes nocturnos, tristes suburbios y desangelados estudios sin baño? ser joven en aquel entonces no tenía nada de romántico.
Yoshihiro Tatsumi (1935-2015) fue uno de los padrinos del gekiga, el cómic alternativo japonés que se difundió a partir de 1957. Su obra se ha traducido a multitud de idiomas. Tatsumi recibió el Premio de la Asociación de Dibujantes de Japón en 1972. En 2009, fue galardonado con el Premio Cultural Osamu Tezuka por su autobiografía Una vida errante. Ese mismo trabajo le valió dos premios Eisner en 2010 y el premio «Regards sur le monde» en el Festival Internacional del Cómic de Angoulême en 2012.
En 2011 se estrenó una película sobre su vida y sus historias cortas. La película, Tatsumi, dirigida por Eric Khoo, se presentó en el Festival de Cine de Cannes.

«El verdadero flâneur camina en un sentido hasta que un coche que pasa delante de él, un apuro cualquiera, un escaparate que hace esquina, un empujón o un codazo le invitan a tomar otra dirección. De accidente en accidente, de empujón en empujón, el flâneur va, viene, vuelve otra vez y puede acabar encontrándose o muy cerca o muy lejos de su casa, según los designios del azar.»
Paseante ocioso, agudo observador de la muchedumbre, la figura del flanêur apareció a principios del siglo XIX por los bulevares y pasajes de París coincidiendo con el levantamiento de la gran ciudad moderna. Fisiología del flanêur, publicado en 1841, representa uno de los intentos más precoces de fijar su arquetipo. Louis Huart relata con gran sentido del humor quién era y cómo vivía ese hombre a quien Balzac definió como el único «verdaderamente feliz en París». Buenas piernas, oído fino y vista aguda son sus cualidades, pero quizá el flanêur hoy represente algo más: un peculiar ejemplo de solitaria felicidad.

• Louis Huart (Tréveris, 1813- París, 1865) fue periodista, escritor y director de teatro. Colaboró con las principales revistas satíricas de la época como el Moniteur du Commerce o Le Charivari, de la cual fue también editor. Paralelamente a su actividad como periodista debutó también como escritor, atacando en sus obras a las celebridades de la época, siempre con un humor mordaz pero nunca ofensivo. Entre 1841 y 1842, bajo el título genérico de Fisiologías, publicó pequeños y divertidos tratados sobre las costumbres de los parisinos, que acabaron convirtiéndose en un fiel retrato de la época y gozaron de gran popularidad. Desde 1849 dirigió el Teatro del Odéon, y en 1855 fundó el Théâtre des Folies-Nouvelles, el actual Teatro Déjazet, que acabó vendiendo en 1859. Finalmente la viruela interrumpió su frenética actividad literaria y artística.

«Confío en que entre mis sabios lectores los habrá capaces de imaginar el contenido de los platos a partir de semejantes nombres. En cualquier caso, los miembros del Club de los Gourmets siguieron reuniéndose todas las noches en la mansión del conde. Al final ya no se limitaban a degustar exquisiteces, sino que eran consumidos por ellas y yo, por mi parte, estoy convencido de que en un futuro no muy lejano eso solo puede derivar en dos consecuencias: la absoluta locura o la muerte.»
El Club de los Gourmets nos adentra en el perverso universo de la búsqueda del placer. Sus integrantes, cinco sibaritas guiados por el conde G., emprenden un viaje sensual a través de insospechados manjares de alta cocina, encarnación de lo sublime y de lo trágico.
Junichiro Tanizaki nace en Tokio el 24 de julio de 1886. En 1910 publica Tatuaje, relato cruel y refinado con el que irrumpe en el mundo literario. A partir de este momento decide dedicarse totalmente a la escritura, publicando historias a menudo inspiradas en la tradición literaria occidental o en el exotismo de países lejanos que nunca llegó a conocer. Después del gran terremoto que sacude Tokio en 1923 se muda a Kioto y luego a Osaka, época en la que vuelve a la tradición japonesa con obras como El elogio de la sombra, una versión moderna de La historia de Genji y Las hermanas Makioka, considerada un clásico universal. Tanizaki muere el 30 de julio de 1965, dejando una de las obras más importantes de la literatura japonesa del siglo XX.
Yoko Nakajima (1981) vive y trabaja en Saitama, estudió Bellas Artes en la Universidad Musashino de Tokio y en la Escuela Nacional Superior de París. Ha participado en cuatro exposiciones colectivas y en 2015 fue galardonada con el premio de la Sociedad de Ilustradores de Tokio (TIS).

«Hotel Madrepatria es una obra maestra sorprendente, una pesadilla existencial perfecta, el retrato de un alma perdida en el umbral de un Edén eternamente postergado.» Alberto Manguel Zebercet, el último miembro de una próspera familia otomana, es el gerente del Hotel Madrepatria, un deteriorado establecimiento de nueve habitaciones ubicado cerca de la estación de ferrocarril. Zebercet es un hombre de mediana edad solitario e introvertido, su vida es simple y gira en torno a las monótonas tareas administrativas, a unos clientes sin ningún interés y al sexo también rutinario con la camarera del hotel. Un día, una bella mujer de la capital pasa la noche en el hotel prometiendo regresar «la próxima semana», y de repente la existencia insular y mecánica de Zebercet cambia radical e irrevocablemente. La presencia de la misteriosa mujer lo atormenta y comienza a vivir sus días en la febril anticipación de su regreso. Pero pasan las semanas, la mujer no vuelve y, a medida que sus fantasías se transforman en obsesiones, Zebercet pierde gradualmente el sentido de la realidad y ese deseo se transforma en una fuerza destructiva. Hotel Madrepatria fue aclamada como la novela del año en Turquía cuando se publicó en 1973; su estilo experimental, su profundidad psicológica y su audaz descripción de la obsesión sexual impresionaron a los críticos y consagraron a su autor como el primer escritor modernista turco. Yusuf Atilgan (Manisa,1921-Estambul, 1989), uno de los maestros de la literatura contemporánea turca, se consagró con tan solo dos novelas (Un hombre ocioso y Hotel Madrepatria), a las que hay que añadir algunos relatos y una tercera novela inacabada y publicada póstumamente. Gran lector de narrativa norteamericana, Atilgan introdujo en Turquía las técnicas más sofisticadas del modernismo occidental conjugadas con la tradición literaria turca. Su narrativa aborda la crisis existencial del hombre y explora las profundidades de la psicología humana. Después de graduarse en el Departamento de Lengua y Literatura Turcas de la Universidad de Estambul, regresó a la ciudad de Manisa, donde se dedicó a escribir. Su novela Un hombre ocioso fue publicada en 1959, seguida en 1973 por Hotel Madrepatria que fue adaptada con gran éxito para la gran pantalla en 1986. En 1976, comenzó a trabajar en Estambul como editor y traductor. Atilgan murió de un ataque al corazón en 1989, mientras escribía una novela titulada Canistan, publicada póstumamente en forma incompleta.

El jardinero apasionado es un híbrido raro y ejemplar, parte ensayo, parte manual, parte tratado, parte investigación, nos ofrece la mirada experta de un naturalista, la comprensión disciplinada de un filósofo y la inspiración de un poeta. Rudolf Borchardt era, de hecho, todo esto, y también novelista, dramaturgo y traductor de renombre. En su obra redescubre la centralidad del jardín como imagen, reflejo y metáfora de la conciencia humana. Y a través de una cuidadosa consideración de la flor, describe las perspectivas históricas, literarias, botánicas, psicológicas, sociológicas y ambientales de la invención de la jardinería ornamental en los siglos XVIII y XIX. La intención de Borchardt es nada menos que desvelar las complejas dinámicas a través de las cuales la naturaleza y el ser humano se relacionan entre sí. Percibe que la flor, el ser humano y el jardín en el que se encuentran son obras sujetas a una constante transformación y representan la expresión de las posibilidades infinitas de la naturaleza. El jardinero apasionado es también la historia de los intrépidos exploradores que salieron en búsqueda de nuevas flores desconocidas; de los botánicos que las estudiaron; de los horticultores que luego refinaron sus formas y colores; y, finalmente, de la fusión de tradiciones romanas, persas, orientales, italianas, francesas, austriacas, inglesas, africanas y americanas al servicio de un ideal humano y estético común. Su libro, erudito y minucioso, es la obra goethiana por excelencia basada en la afinidad electiva entre la planta y el alma humana. Borchardt la escribió en Italia en el verano de 1938 y no llegó a verla publicada. Rudolf Borchardt nació en 1877 en Königsberg, en la Prusia Oriental, y murió en 1945 en el pueblo tirolés de Trins, en el sur de Austria. Estudió arqueología, teología y filología clásica y oriental en las universidades de Berlín, Bonn y Göttingen. En 1898 entra en contacto con Stefan George y Hugo von Hofmannsthal, encuentros que representaron un punto de inflexión en su carrera literaria. Estuvo intensamente involucrado con la escena literaria alemana contemporánea, especialmente en el período anterior a la década de 1930, como testimonia su copiosa correspondencia con Hofmannsthal y Martin Buber, entre otros. Su pensamiento siempre fue conservador: las ideas e ideales del siglo XIX continuaron dominando su visión de la vida, de la historia y de la literatura.